Desde el comienzo de los tiempos el ser humano ha intentado expresar lo que siente, ve y piensa a través del dibujo, la pintura y la escultura. Pero, ¿cómo surge o cómo es el proceso del arte? ¿Qué refleja o nos dice el arte de nosotros? Varios libros recientes desvelan algunos aspectos de este proceso de la creación y nos ayudan a apreciar y contemplar estas expresiones artísticas.

Estas seis obras seleccionadas muestran libros que trascienden al artista y comparten qué está ocurriendo en nuestra manera de relacionarnos con el arte. Van del interior del creador hasta el encuentro de la obra con quien la contempla.

Cómo se crea

Una historia natural del estudio

William Kentridge. Traducción de Cristina Zelich (Anagrama)

“El mundo entra en forma de imágenes, de fotografías en la pared, de periódicos, emails, recuerdos de conversaciones, libros, postales. Ahí está, fragmentado. Los fragmentos se reorganizan y se devuelven al mundo en forma de dibujo, de película. Aun conscientes de la artificialidad de la construcción, nos dejamos seducir por ella. Esto es lo que el estudio puede mostrarnos, un proceso que resulta evidente entre sus paredes, pero que puede esclarecer procesos no vistos fuera de él; un mundo que es construcción más que descubrimiento”.

¿Qué forma parte de nosotros y qué no? ¿Dónde empieza el yo y dónde el mundo? ¿Qué sucede en esa frontera porosa, en ese punto de contacto en el que el mundo se nos acerca y nosotros salimos a su encuentro? En Una historia natural del estudio, el artista William Kentridge invita al lector a adentrarse en el núcleo mismo de su proceso de trabajo: las preguntas que lo mueven, las herramientas que utiliza, sus buenas ideas (y las menos buenas).

Quién posee el arte

¿A quién pertenece la belleza?

Bénédicte Savoy. Traducción: Ariel Jorge Dilon (Cátedra)

Bénédicte Savoy invita a participar en uno de los grandes debates culturales de nuestro tiempo: quién posee las obras de arte, qué historias de conquista, expolio y restitución hay detrás de los museos y cómo cambia nuestra mirada cuando conocemos esas historias.

“¿A quién pertenece la belleza? La pregunta es retórica: ciertamente la belleza no pertenece a nadie. Sin embargo, desde el siglo XVIII y la invención de los museos tal como los conocemos hoy, ciertos objetos, precisamente, han sido escogidos y expuestos por su belleza. «Objetos de deseo», han sido comprados, robados, ocultados, pillados, obsequiados o donados, no han cesado de suscitar germinaciones, fecundaciones estéticas, inesperadas cristalizaciones. No obstante, todo objeto «transportado» de un lugar a otro crea también una «falta» allí donde ya no está”.

Cómo cambió la mirada

La larga sombra de la guillotina. Imágenes de la vida parisina del siglo XIX

László F. Földényi. Traducción: Adan Kovacsics (Galaxia Gutenberg)

La Revolución francesa cambió muchas cosas en el mundo, no solo en la política, la economía y la sociedad, sino también en la mirada y la percepción sobre el arte. Földényi analiza cómo, a partir de este hecho histórico y del uso que se hizo de la guillotina, coincidieron la llegada de nuevos elementos y expresiones, como la fotografía, que no solo da cuenta de una realidad y deja su testimonio, sino que influyó en las demás artes y actualizó el concepto del tiempo, de los cuerpos y de los objetos. También aparece la publicidad. El autor establece así una transformación de la mirada y muestra cómo la historia y la cultura son transversales y dialogan.

“Se juntan de un modo deliberadamente arbitrario historias de verdugos y descripciones de cuadros, informes médicos y fotografías examinadas con lupa, poemas y anuncios de periódicos, planos de ciudades y monstruos fantásticos, publicidad en calles y plazas y personajes de novelas. Y no sólo se relaciona todo con todo, sino que todo es resonancia de todo. Como escribe Baudelaire, uno de los protagonistas del libro, en su poema Correspondencias: «como largos ecos que de lejos se confunden / en una tenebrosa y profunda unidad”.

Cómo mirar el arte contemporáneo

La música sabía lo que yo siento

Enrique Juncosa (Galaxia Gutenberg)

Este libro es un caleidoscopio del arte, su utilización y lugar en el mundo contemporáneo desde el minimalismo, a través de una treintena de artículos escritos entre 2011 y 2025 por uno de los especialistas en arte más importantes de España y exdirector del Irish Museum of Modern Art de Dublín entre 2003 y 2012. Reflexiona sobre artistas, museos y la sociedad con una visión que no rechaza la mirada del placer, “ni un entendimiento del arte como conocimiento en sí, cuestiones que le parecen compatibles con la reflexión metalingüística o el arte identitario y político”.

“La situación en la que se encuentra el planeta es muy preocupante, tanto desde perspectivas sociopolíticas como ecológicas. El interés actual por el arte político, después de años formalistas y estetizantes, que no pierden sin embargo ni un ápice de gloria, ha despertado el interés por otros relatos, especialmente identitarios, los cuales son ahora dominantes. Este arte político puede no ser efectivo a la hora de cambiar el mundo, pero parece que tranquiliza conciencias, informa de grandes aberraciones y pone algunos puntos sobre las íes. La creencia en el progreso, viendo los enormes retrocesos que nos acosan, ha perdido hoy mucha credibilidad, convertida en algo así como una creencia supersticiosa”.

Qué nos dice la pintura sobre la condición humana

Pinacoteca soñada

Rafael Argullol (Acantilado / se publicará en octubre)

Un atlas visual de Occidente a partir del impacto personal y las huellas que algunas obras y artistas han dejado en la vida de Rafael Argullol, escritor catalán y catedrático de Estética y Teoría de las Artes. Son piezas escritas para el diario catalán Ara, “cuyo orden quedó establecido por el azar con que las obras acudían, semana tras semana, a mi memoria”. El filósofo y escritor ha reconocido que las artes siempre lo han acompañado. El libro tiene también un poco esa idea suya de que los distintos lenguajes artísticos se tienen celos o se envidian unos a otros: la pintura, la música, la arquitectura, la poesía, la literatura. El libro es también una muestra de eso.

“De la pureza primitiva de Giotto o Fra Angelico y las cumbres de Da Vinci, Dureroy Miguel Ángel al estallido moderno de Goya, Van Gogh, Picasso, Magritte y Francis Bacon—sin olvidar los dramáticos claroscuros de Caravaggio, Rembrandt y Velázquez. Es el misterio de la belleza y la capacidad de la pintura para iluminar los abismos de la condición humana”.

Cómo vivir las artes

El museo portátil. Diez ciudades del arte

Estrella de Diego. Ilustraciones de Belén Mazuecos (Tintablanca)

Buenos Aires, Madrid, Helsinki, Los Ángeles, Nueva Delhi, Roma, Nueva York, París, Oxford y Bogotá. Estas son las ciudades seleccionadas por la historiadora del arte, crítica y comisaria de exposiciones para contar qué arte hay en estos lugares, cómo disfrutarlo y qué significan. Junto a la artista granadina Belén Mazuecos invitan a recorrer diez de las ciudades del mundo donde la pintura y la arquitectura se manifiestan de un modo más bello.

“Al menos yo (Estrella de Diego), frente a un cuadro y en especial a un cuadro conocido, siento que estoy en casa. En los museos se está a salvo. Mi casa es, al fin, mi cuadro favorito, de modo que tengo tantas casas como cuadros predilectos. En el museo se encuentran los nuevos y los viejos amigos —cuadros, fantasmas del pasado reales o literarios—, a los cuales no hemos conocido jamás, si bien, es verdad, forman parte de nuestra vida. Han ido apareciendo por la ciudad a lo largo del día, de las visitas reiteradas a través del tiempo”.

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